すべては音楽とアートありき。自分と向き合い、自分を知る時間がそこに。（前編）

そうそう。皆さんお元気ですか？　あのあと『O-DRIVE』を見ながら、さっそくいろいろと学びを取り入れてらっしゃるなと思っていたんです。

素晴らしいですね！　私もあれからいろいろとありました。特に2020年はコロナもあって激動でしたね。約16年ぶりに日本に帰ってきて、今はなんと会社員なんですよ（笑）

そうですね。はじめて行ったのは交換留学生として15歳の時に。その後、高校を卒業して１年間バイトをして、それからボストンにあるバークリー音楽大学に行きました。いわゆるコンテンポラリーミュージックを扱う音楽大学としては世界で最も有名な学校だと思います。音楽教育においてクラシックが主流だった時代に、ポピュラー音楽の理論を教える学校として設立されたんですよ。しかもマサチューセッツ工科大学出身の建築工学者が設立したっていう少し変わった成り立ちを持っています。

はい。生まれは山形県。食と日本酒が美味しいけれど田舎です（笑）。そんな場所で実家がライブハウスをやっているっていう珍しい環境で育ちました。だから家には楽器がたくさんあって、私も８歳の時にはステージに立っていたんですよ。

大学まではほぼ独学です。日本でピアノを習うとなると、普通はクラシックですよね？　それが大嫌いで。無理矢理レッスンに連れていかれたことはあるけど、すぐにやめました。クラシックの曲を楽譜通りに弾くよりも、自分が好きな曲を耳コピして弾く方がよっぽど楽しくて。めんどくさい子どもだったと思いますよ（笑）

まあそうですね。ピアノ科に入って、練習は一生懸命やっていました。しかもジャズで有名な大学に入ってから、なぜか急にクラシックピアノも弾きたくなって、しばらくクラシックの先生について授業を受けていたんですよ。さらにバークリーには演奏や音楽理論以外にも、とてもたくさんの学科があるので、私も最終的には音楽ビジネス系の学科を専攻して、マーケティングや起業に関する勉強もしていました。

そうなんです。あと心理学や音楽教育、美術史なんかも勉強しましたね。さらに大学時代には美術館でボランティアスタッフをやったり、大学内のラジオのパーソナリティをしたり。そういうところで使う英語には、そこでしか学べない言い回しとかがあると思って。

はい。主にピアニストとしてボストンを拠点にさまざまなバンドと活動してきました。ミュージシャンであると同時に、教育者、パネリスト、コミュニティをつくる人、NPO代表など、いろんな肩書きを持つグローバルフリーランスとして、パラレルキャリアで働いていたんですよ。

子どもの頃はジャズでした。やはり日本にはジャズ好きの人口が多い印象がありますね。地方にもジャズ喫茶がたくさんありますから。実際バークリーに入ってみると、世界中から優秀な音楽家が集まっていて、それぞれに自分の国の文化やルーツを持っていることにとにかく衝撃を受けました。それまで聴いたこともないようなめちゃめちゃかっこいいリズムの曲があったり、見たこともないような楽器を使っていたり。そこから「伝統音楽って面白い！」ってどハマりしちゃって。「コロンビアの音楽ってどんなの？」「トルコの音楽は？」みたいな。だからこれまでも国際色が豊かなバンドで演奏することが多かったんですよ。

そうそう。例えば私はバルカン地方の音楽がすごく好きなんですね。ブルガリア、セルビア、マケドニア、アルバニア、ボスニアヘルツェゴビナ……。あの辺りは内戦や紛争がたくさんあって、ひとりの人間が生きている間に３回くらい国境が変わることもあります。それが故に凄まじい環境の中を生きている様子が音楽にも表れているというか。とにかく大音量でカオスなんです（笑）。ラッパがブワー！　ブラスバンドもブワー!!!　みたいな。間近で対面で聞くと、まさに音に打たれる感じというか、ものすごいエネルギーなんですよ。

演奏時は、地面に円を描くように人が集まって、真ん中にバンドがいて、みんなで手をつないでステップを踏んでダンスをする。「その日、その瞬間の“ジョイ”を感じ切れ！」って感じで。『ゴールデン・フェスティバル』っていう毎年ニューヨークで開催されるバルカン音楽の祭典で、初めてそれを体感した時に「ああ！　音楽ってこういうことだ!!」って思いました。

例えばギリシャのアクロポリスのふもとにある古代屋外劇場で、現地の大御所オペラ歌手と演奏したこととか。あとはエジプトのカイロジャズフェスティバルにでた時には、砂漠の中だから砂で用意してもらったピアノがシャリシャリになってて。結局その日は生ピアノを弾かず、急遽キーボードで演奏することになったんですよ（笑）

そうですね。バークリーでもピアノをメインに学びつつ、副専攻としてアートを選びました。たまたまバークリーの美術史の分野に、私の恩師となる素晴らしい教授がいて、その人の授業がとても好きだったんです。

いえ、もともと子どもの頃からアートに関係する本を見るのが大好きでした。絵を観ているといろいろなことを感じます。例えばダリの絵を観ながら「これは……何？」ってずっと考えていて。それを観ていると「ここではないどこか」に思いを馳せるようになり、それが窓になるんですよね。「いま自分がいる生きづらい場所ではない世界」みたいなことを感じて、何度も絵に救われてきました。いま思うとあの頃すでにひとりで対話型鑑賞をやっていたんだと思います。

そう。私のすべてはそのふたつありきです。その後、さっき話にあげたバークリーの恩師の授業を受けて、作品や作家の時代的な背景を学びました。先生の教え方と情熱に感銘を受けて、最終的には美術史の授業を４つもとったんですよ。またバークリーには『単位交換制度』があって、他の学校の授業も受けられました。近くにボストン美術館の付属大学であるThe School of the Museum of Fine Artsという素晴らしい美大があり、私はアートが好きだったので、そこでデッサンの授業を受けることに決めて。人生で一番印象に残っている授業の一つかな。

そう。「デッサン」って聞くと、テーブルに果物なんかが置かれていて「このリンゴを描きなさい」みたいなことだと思いますよね。でもそんなのは全然やらない。いちばん初めの授業から「手を使わずに描け」って言われて。

そうなんです。「え？　どうするの??」ってなりますよね（笑）。私が戸惑っていると、周りの人たちは、膝に墨を塗って紙に擦り付けたり、マスカラを使って描いたり。もう発想がすごすぎて、1回目から「これはなんの会ですか？」みたいな（笑）

あと普通は輪郭から始めますよね。それも違いました。「輪郭は最後に描け」って言われて、真ん中から塗っていくの。さらに「目から入ってくる情報を頼りにするな」みたいなことも言われて。そういうのがね、「面白すぎる！」と思ってのめり込んいきます。結果的に３つの大学でアートの授業を受けました。

まず即興的な表現の考え方は音楽にも適用できました。それに「楽譜は重要じゃない」「決まった方法で楽器を弾かなくてもいい」みたいな、つまり「〇〇すべき」みたいな考え方の枠がすべて外されていったと思います。音楽と同時にあれを学んだのはとても良かったですね。

はい。完全に趣味ですけどね。16歳の頃から日記をつけています。主に英語で自分なりに言葉を紡いでいって、ページによっては絵が添えてある。実はこれ、今までかれこれ20年近く続いている習慣なんです。いわゆるブログみたいに外に発信するものではなく、完全に自分向けですけどね。というのも音楽は途中から仕事になったので、ある種の“割り切り”みたいなものがあって……。

そうなんです。でもこの日記に関しては、誰にも何にも言われないので、自分にとってのセーフスペースであり、ペンを持ってそのノートに向かっている時こそがマインドフルネスな瞬間なんです。

そうだと思います。その日に感じたことを絵にすることで、自分を客観視できますよね。後から観ると「ストレスが溜まっているな」とか「これ、顔がやばいな」とか、すぐに分かります。絵にするという行為自体が私にとっての一種のセラピーになっていたし、そうやってマインドフルで落ち着いた環境をつくることで、内側から自己肯定感が形成されていきます。だからとても大事な時間ですね。

そこは私にとってものジレンマかもしれません。なぜなら自分がつくった作品が世の中に出ると、自己肯定感が下がることもあるんです。というのも私の場合は自分の名前で作品をリリースしたことは一切なくて、“雇われ”のセッションミュージシャンとして活動をしてきたので、どうしても例えば「スタンダードに寄せないといけない」とか「セオリーから外れてはいけない」とか色々考えてしまって……。でも絵は違います。そもそもお金のためにやっているわけでもないし、何を描いたって人に迷惑はかけません。とても自由な世界なんですよね。

そうなんです。『Ableton』という、ドイツに本社をもつDAW（デジタル・オーディオ・ワークステーション）つまり音楽をつくるためのソフトやハードウェアを開発している会社に就職して、マーケティングと教育事業を担当しています。弊社でリリースしている『Live』は、音楽制作ソフトとしては世界トップのシェアを誇っているのですが、特に日本の子どもたちにとっては「それ、なに？」って感じですよね。それはなぜかというと、日本の音楽教育は西洋の伝統的な音楽教育が主体で、合唱中心であることが理由の一つに挙げられます。指導ポイントが合唱、器楽、鑑賞で終わってしまって、音楽テクノロジーを取り入れる以前に、そもそも「音楽をつくる」ことがあまり教えられていないという現状があるんです。

そうですよね。でも最近の日本の音楽ヒットチャートに入るものも含めて、日頃子どもたちが耳にしている現代の音楽のほとんどは、こういった音楽ソフトでつくられ始めているわけです。コンテンポラリーな音楽と学校の音楽教育に差があるのはもったいないですよね。だからこういったソフトをもっと学校の教育現場でも使ってもらえるように、今後いろいろとアプローチしていきたいなと考えています。これまでに音楽をつくったり楽器を弾いたり、または楽譜を読んだりする経験がなかった子でも、音楽づくりの楽しさや面白さを体験できる場がある。例えばインターネットへのアクセスさえあれば無料ですぐに音楽制作が体験できる「Learning Music」という教育プログラムが、弊社サイト内には設置されています。ちょっと試してみてください。

音楽づくり自体は決して簡単なことではないですが、音楽テクノロジーを上手く取り込めば乗り越えられるハードルも多くあります。でも日本における音楽教育は「譜読み」と「楽器演奏」が主体だから、その先に進めず、音楽づくりに結びつかない人も多いと思うんですよね。「音楽ってことは、楽譜が読めないとダメなんでしょ？」みたいに思ってしまう人が多くて。本当は全然そうじゃないのに……。

そうそう。誰でも楽しめるし、つくった曲をパソコンに書き出すこともできるから、そこからもっと深めたい人は、ソフトを買ってさらにつくり込むこともできます。学校で導入を希望する場合は、先生たちが授業でできるだけスムーズにツールを使ったり教えたりできるように、教育機関向けライセンスの特別提供や学習指導案・教材の提供、ITサポート、さらには認定トレーナーの派遣など、さまざまなサポートを用意しています。だって、もったいないですよね。クリエイティブな子どもがいて、クリエイティブになれるツールもあるのに、それを知るどころか、試すこともないままって。

そうですよね。ただ中学校や高校ではすでに決まったことを教えないといけないんだろうし、先生方も新しいことを学ぶ余裕はないと思うので、自由度が少ないことは想像できます。だから特別枠みたいなカタチで、我々のような外部スタッフが行ってデモ授業をするのもいいですよね。

クラスメイトと対話型鑑賞をしていくんですね。素晴らしい。楽しそう！

それ、すごくいいですね。ダンスでもなんでもいいんですが、音楽もそういう非言語コミュニケーションの一つになれると思います。

それは確かに問題ですよね。

それもいいですよね。正解なんてないんだから。